Rush es una banda canadiense de rock progresivo formada en agosto de 1968 en Sarnia, cerca de Toronto, Canadá. La formación se mantiene estable desde 1974, cuando Neil Peart reemplazó al baterista original, John Rutsey, antes de su primera gira estadounidense. Está integrada por el bajista, teclista y cantante Geddy Lee (Gary Lee Weinrib), el guitarrista Alex Lifeson (Alexander Zivojinovich) y el batería y letrista Neil Peart.
Desde el lanzamiento de su álbum debut homónimo en marzo de 1974, han sido reconocidos por su maestría musical, por sus complejas composiciones y por la ecléctica temática de sus letras, dominadas por la ciencia ficción, la fantasía, la filosofía libertaria y desarrollando también temas humanitarios, sociales, emocionales y medioambientales. Rush han sabido combinar la energía y la fuerza del heavy rock con el virtuosismo y la inteligencia del rock progresivo. Sus mayores virtudes siempre han sido la evolución constante, evitando conformarse con los triunfos anteriores, además de la fidelidad con la que interpretan en concierto su material tan cuidadosamente arreglado en el estudio.
Musicalmente, su estilo ha evolucionado a lo largo de los años; en sus primeros álbumes muestran una influencia del heavy metal inspirado en el blues muy semejante a los primeros trabajos hechos por Budgie. Después desarrollaron hard rock y rock progresivo, además de un período en el que predominó el uso de sintetizadores. Han influenciado a numerosos artistas y bandas, como Metallica, The Smashing Pumpkins y Primus, además de bandas de metal progresivo como Queensrÿche, Dream Theater y Symphony X.
Rush siempre ha sido una banda que ha llamado la atención de público con diversos gustos musicales. Con sus trabajos editados en forma continuada desde la década de 1970, a través de los años han sido valorados por amantes del metal, el rock progresivo y la música alternativa. Además, toda su trayectoria se ha caracterizado por sus importantes producciones en vivo, intercaladas entre una cierta cantidad de discos en estudio. Lo importante de los discos en vivo de Rush es que, de alguna forma, representan una manera de dar vuelta la página, de dar fin a una etapa para entrar en una nueva. Pocas bandas pueden jactarse de haber manejado tanta variedad musical a lo largo de 25 años de carrera y prácticamente ninguna podría haberlo hecho tan bien.
Han recibido seis premios canadienses Juno, además de entrar en el Canadian Music Hall of Fame en 1994. Han sido nominados siete veces al Grammy, cinco de ellas a Mejor actuación de rock instrumental, las dos últimas en 2008 y 2009. Sus miembros son considerados habilidosos instrumentistas y han recibido individualmente reconocimientos de prestigiosas revistas. En abril de 2013 fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock. Además, Lee, Lifeson y Peart han sido condecorados con la Orden de Canadá, con el grado de Oficiales.
Se formaron originalmente en Sarnia, Ontario, Canadá, por Alex Lifeson, Jeff Jones (bajista y cantante) y John Rutsey (baterista). Dos semanas después de su formación, justo antes de su segundo concierto, Jones fue reemplazado por Geddy Lee, un amigo del colegio de Lifeson que era quien les prestaba el amplificador para que Jones pudiera tocar. Consistían en una banda especializada en versiones de Jimi Hendrix, Grand Funk, Iron Butterfly y Cream. Empezaron a tocar en fiestas escolares y en el circuito de pequeños pubs donde, gracias a una nueva ley que rebajaba de 21 a 19 años la edad necesaria para el consumo de alcohol, muchos muchachos tuvieron la posibilidad de conocerlos y apreciarlos. El joven promotor local Ray Daniels les brindó su primera gran ocasión: ser teloneros de New York Dolls para un concierto de éstos en Toronto. El hermano mayor de Rutsey fue quien sugirió el nombre del grupo, Rush, debido a la rapidez con que se manejaban los componentes del grupo.
Afianzada la formación y afinadas sus habilidades en los bares locales, en 1973 lanzaron su primer single, Not fade away, una versión del tema de Buddy Holly. La cara B era una composición original, You can't fight it, compuesta por Rutsey y Lee. El single tuvo un recibimiento tibio y, debido a diferencias con la compañía discográfica, formaron su propio sello independiente, Moon Records. El éxito obtenido en el circuito local convenció a Daniels para invertir un poco de dinero en la producción del primer álbum del grupo, ayudado por Terry Brown, un productor ya destacado por sus trabajos con otras bandas canadienses de fama, como April Wine, Thundermug y Procol Harum. Con la ayuda de Daniels y el ingeniero de sonido Terry Brown, en 1974 lanzaron su álbum de debut. Rush (1974), con grandes influencias de Led Zeppelin, y con canciones destacadas como Finding my way, In the moon o Working man, tuvo una limitada popularidad local hasta que la emisora de radio de Cleveland, WMMS, comenzó a radiarlo. Donna Halper, disc jockey y directiva de dicha emisora de radio, seleccionó la canción Working man como uno de sus temas habituales. La temática obrera de la canción ayudó a que gustara entre los seguidores del hard rock y a que el álbum se relanzara a través de Mercury Records en Estados Unidos, llegando al puesto 105 en Billboard 200 y consiguiendo Disco de oro.
Después del lanzamiento de su primer álbum, Rutsey abandonó el grupo en julio de 1974 debido a su diabetes y a su poca disposición para tocar en directo. Para sustituirlo, el resto del grupo llevó a cabo una serie de audiciones y, finalmente, contrataron a Neil Peart para reemplazar a Rutsey. Peart se unió oficialmente en julio de 1974, dos semanas antes de su primera gira estadounidense. Hicieron su primer concierto juntos, como teloneros de Uriah Heep y Manfred Mann ante más de 11 mil personas en el Civic Arena de Pittsburgh en agosto. Las críticas fueron adversas, pero un hecho era indiscutible: el suyo era el álbum de debut más vendido por Mercury de un grupo canadiense. Además de convertirse en el batería, Peart se convirtió en el principal letrista, en detrimento de Lee, que mostraba poco interés en escribir, a pesar de haber firmado las letras del álbum debut. El propio Lee, junto a Lifeson, se centró en los aspectos musicales.
Fly by night (1975), el primer álbum después del reclutamiento de Peart, incluyó por primera vez una pequeña historia épica, llamada By-Tor and the snow dog, repleta de complejos arreglos y de formatos multisección. La temática de las letras sufrió grandes cambios con Peart, debido a su interés por la literatura fantástica y la ciencia ficción. Aun así, a pesar de estas diferencias, parte de la música y de las canciones tenían similitudes con el estilo de blues que usaron en el álbum debut. En el álbum también se incluía la canción Rivendell, nombre extraído de El señor de los anillos de Tolkien, y Anthem, inspirada en la novela homónima de 1939 de Ayn Rand. Esta última procuró los primeros problemas a Rush en cuanto a sus conexiones con los textos de Rand, escritor ruso emigrado a Canadá y considerado, por algunos, de derechas; de ésta y de algunas otras canciones derivó una fama de banda "ambigua" en cuanto a su ideología. Se editaron como singles Fly by night y Making memories, y el álbum llegó al 113 en Billboard 200 y fue certificado Disco de platino por la RIAA.
Poco después del lanzamiento de Fly by night, sacaron al mercado Caress of steel, también en 1975, un álbum de hard rock de cinco temas con dos canciones de múltiples partes, The necromancer y The fountain of Lamneth, y otras más cortas como I think I'm going bald o Bastille day. Algunos críticos dijeron de Caress of steel que desentonaba, pero que era un movimiento audaz, debido al lanzamiento de dos álbumes consecutivos tan dispares, y por sus canciones, más dedicadas a las historias y atmósferas. Rush se estaban convirtiendo en algo más que una simple banda de hard rock; los temas estaban a años luz de la iconografía típica del heavy. Caress of steel fue número 148 en Billboard 200 y recibió Disco de oro, y aunque la intención era que el álbum fuera el pistoletazo de salida de la banda, vendió menos de lo esperado y la gira de promoción, Down the Tubes Tour, se tuvo que desarrollar en recintos pequeños.
En vista de esto, su discográfica les presionó para que su siguiente trabajo fuese más asequible para el público y más cercano a las modas de la época. Pero, ignorando estas peticiones, realizaron el álbum 2112, el cual se convirtió en su primer éxito comercial, número 61 en Billboard 200, y logró su primer Disco de platino en Canadá. El álbum describe la lucha de un hombre solo contra un mundo gobernado por los despóticos "curas del templo de Syrinx", en una sociedad gobernada en base a la lógica y en la que la música estaba fuera de la ley. Algunos críticos se enfurecieron ante la historia e intentaron interpretarla en base al logotipo del grupo: un hombre desnudo que se alejaba de una estrella roja. El álbum contaba con la canción 2112 de 20 minutos de duración, dividida en siete secciones, y otras destacables como The twilight zone, Something for nothing o Lessons. Su gira de promoción culminó con tres actuaciones en el Massey Hall de Toronto, que fueron grabadas para el lanzamiento del álbum All the world's a stage en directo. El crítico de allmusic.com, Greg Prato, lo señaló como el álbum que marca los límites entre sus primeros años y la siguiente era de su música.
Después de 2112, se establecieron en Reino Unido para grabar A farewell to kings (1977) y Hemispheres (1978), en los estudios Rockfield de Gales. Estos álbumes sirvieron para que expandieran el uso de elementos progresivos en su música. “Como nuestros gustos se estaban volviendo más oscuros”, declaraba Geddy Lee en una entrevista reciente, “descubrimos bandas más basadas en el rock progresivo como Yes, Van der Graaf Generator y King Crimson, y estábamos muy inspirados en esas bandas. Nos obligaron a hacer nuestra música más interesante y más compleja, e intentamos mezclarlo con nuestra propia personalidad para ver lo que nos podríamos inventar”. Sellos de identidad como el uso de sintetizadores, largas canciones conceptuales y complejos cambios de tempo se convirtieron en el nexo de sus composiciones. Para conseguir un registro de sonidos más amplio y progresivo, Alex Lifeson comenzó a experimentar con guitarras clásicas y de doce cuerdas, mientras que Geddy Lee añadió sintetizadores con pedal y Minimoogs. Asimismo, la percusión de Peart se tornó más diversa con triángulos, glockenspiel, temple blocks, cencerros, timbal de concierto, gong y campanas tubulares. Además de las adiciones instrumentales, siguieron los pasos del incipiente movimiento del rock progresivo componiendo canciones largas y conceptuales con temas de fantasía o ciencia ficción. Sin embargo, a medida que se acercaba la nueva década, comenzaron a alejarse de este estilo en favor de arreglos más cortos y, a menudo, más suaves. Las letras hasta este punto, mayoritariamente escritas por Peart, estaban fuertemente influidas por la poesía clásica, la literatura fantástica, la ciencia ficción y los escritos de la novelista Ayn Rand, como en su canción de 1975 Anthem de su álbum Fly by night, y específicamente reconocible en 2112. A farewell to kings fue el primer álbum oficialmente distribuido en Inglaterra y, además, el que señalaba el comienzo de las colaboraciones de Rush con los estudios Hypgnosis (los mismos de Pink Floyd y Led Zeppelin) para sus portadas, fue número 33 en Billboard 200 y logró Disco de platino.
Muchas de sus canciones recibieron muy poca exposición a causa de su duración, que en algunos casos era superior a los 10 minutos. Una notable excepción fue Closer to the heart, de 3 minutos, del álbum A farewell to kings, que fue escuchada ampliamente en las emisoras de radio, convirtiéndose posteriormente en la canción emblemática de la banda. Xanadu, del mismo disco, también se convirtió en una canción emblemática para los fans de Rush. El álbum Hemispheres seguiría el estilo más puro del rock progresivo, incuyendo una segunda parte de la canción Cygnus X-1 (cuya primera parte aparecía en el álbum anterior), una de las obras musicalmente más complejas de la banda, y la magistral composición instrumental La Villa Strangiato, con líneas de guitarra flamenca. Sería su último álbum épico, a pesar de que siguieron publicando canciones que podrían catalogarse dentro del rock progresivo. Hemispheres fue número 47 en Billboard 200 y consiguió Disco de platino.
Permanent waves (1980) cambió drásticamente su estilo musical con la inclusión de reggae y new wave. Aunque aún era evidente su estilo hard rock, se introducían cada vez más sintetizadores. Además, en parte por la poca radiodifusión que recibieron las largas canciones compuestas hasta el momento, optaron por canciones más cortas que retuviesen su tradicional complejidad y eficiencia musical en un formato más concentrado y arreglos más suaves. Aunque las canciones largas también tuvieron apariciones en este período, como Jacob’s ladder, Natural science y The camera eye, Rush ya no produciría temas largos en lo sucesivo, aunque muchas de las canciones de la banda tenían una duración de 5 a 6 minutos, lo que aún se encontraba fuera de lo convencional y acostumbrado en el mercado. Permanent waves incluyó canciones más cortas como The spirit of radio (que recibía su nombre en honor de la emisora de radio de Toronto, CFNY, y que llegó al número 51 en Billboard Hot 100) o Freewill, que ayudaron a que se convirtiese en su primer álbum en entrar en el Top 5 de Estados Unidos (número 4) y consiguiese 5 Discos de oro; ambas canciones siguen sonando en las radios de rock clásico de Canadá y Estados Unidos hoy en día. Mientras tanto, las letras de Peart pasaron a ser menos fantásticas o alegóricas para acercarse más a temas como el humanismo, lo social, lo emocional y lo metafísico. En julio de 1980, Rush se reunió con la banda de Toronto Max Webster para grabar Battle scar, que aparece en el disco Universal juveniles. Durante una gira conjunta, ambas bandas se unían en el escenario para tocar la canción, que servía de transición entre la actuación de Max Webster y la de Rush, y de precalentamiento para Peart. Además, el letrista de Max Webster, Pye Dubois ofreció a Rush una canción en la que había estado trabajando. La banda la aceptó y se convertiría, después del trabajo de Peart, en Tom Sawyer.
La popularidad de Rush llegó a lo más alto con Moving pictures (1981), una continuación de Permanent waves, donde proporcionaron al público canciones más accesibles y comerciales de rock-pop progresivo que les ayudaron a ganar en popularidad. La canción principal, Tom Sawyer, número 44 en Billboard 100, es seguramente la más conocida de la banda (incluso Geddy Lee lo califica como “el tema tradicional de Rush”), además de Limelight, que también recibió una buena acogida de seguidores y de emisoras de radio, y YYZ y Subdivisions, clásicos en sus conciertos. Moving pictures fue el último álbum en tener una canción larga, The camera eye, de diez minutos y medio. El tema contiene también varios sintetizadores, lo que daba pie a pensar que el estilo de la agrupación volvía a dar un giro. Moving pictures llegó al puesto número 3 de la lista Billboard 200 de álbumes y ha sido certificado cuádruple Disco de platino por la RIAA por ventas de más de 4 millones de copias.
Siguiendo el éxito de Moving pictures y sus otros cuatro álbumes, se lanzó su segundo álbum en directo Exit...Stage left (1981), el cual muestra todo el período más progresivo de Rush con grabaciones en directo de las giras de Permanent waves y de Moving pictures. Al igual que con su primer álbum en directo, Exit...Stage left, significó un punto de inflexión para un nuevo cambio en su sonido. Sufrieron un drástico cambio de estilo con el lanzamiento de Signals.
Los sintetizadores que tocaba Lee aparecieron en la música de la banda a finales de los años 70, como se aprecia en canciones como Countdown o Subdivisions, donde los teclados irrumpieron en las líneas melódicas abandonando el contrapunto de fondo. Estas canciones contienen líneas principales de sintetizador con acordes y solos de guitarra minimalistas, con la inclusión de otras adiciones instrumentales desconocidas hasta entonces, como en Losing it, con la colaboración de Ben Mink tocando el violín eléctrico.
Signals (1982) también representó una drástica transformación en su estilo. El álbum contiene su único single en entrar en el Top 40 de Estados Unidos, New world man, mientras que otras canciones más experimentales como Digital man, The weapon y Chemistry expandieron el uso del ska, el reggae o el funk. Aunque decidieron de forma consciente moverse en esta dirección, se sintieron poco satisfechos con el tratamiento que Terry Brown, su productor desde hacía tiempo, le dio a Signals, ya que éste no se sentía cómodo con el uso incrementado de los sintetizadores, y decidieron prescindir de él en 1983.
Para el siguiente álbum Grace under pressure (1984), siguieron el estilo y la producción de Signals. Fue Peart quien le puso el título, tomando prestadas las palabras que utilizó Ernest Hemingway para contestar a una pregunta de la bibliógrafa Dorothy Parker, para describir lo que pasó después de tomar la decisión de echar a Terry Brown. Contrataron al productor Steve Lillywhite, afamado por sus trabajos con Simple Minds y U2, para su producción, aunque en el último minuto, se echó atrás, a pesar del enfado de Lee, Lifeson y Peart. Lee dijo que "Steve Lillywhite realmente no es un hombre de palabra....después de aceptar hacer nuestro álbum, recibió una oferta de Simple Minds, cambió de idea, y se marchó... dejándonos en una posición terrible". Finalmente contrataron a Peter Henderson para la coproducción y para que ejerciese de ingeniero de sonido. Grace under pressure fue númeo 10 en Billboard 200 y consiguió Disco de platino.
Musicalmente, aunque el uso de los sintetizadores de Lee siguió siendo la piedra angular de la formación, su enfoque hacia las nuevas tecnologías, se vio complementada con la adaptación de las baterías y la percusión electrónica por parte de Peart. Las contribuciones de Lifeson se vieron ampliadas con respecto a su minimalista contribución en Signals. Aun así, muchas de sus texturas de guitarra se mantuvieron con acordes de reggae, funk y de new wave en canciones como Distant early warning, Red lenses, Red Sector A o The enemy within.
Con un nuevo productor, Peter Collins, se lanzó Power windows (1985) y Hold your fire (1987). La música de estos dos álbumes pone más énfasis y prominencia en el trabajo de múltiples capas del sintetizador de Lee. Aunque los seguidores y los críticos consideraron el trabajo de guitarra de Lifeson menguado, su presencia seguía palpable en The big money, single que entró en listas de ventas, con destellos en Grand designs, Middletown dreams y en Marathon. Lifeson, como muchos guitarristas de finales de los 80, experimentaba con procesadores que reducían su instrumento a acordes con reverberación y con finos punteos. Otras canciones destacables de Power windows fueron Territories, Mystic rhythms y Manhattan Project. Power windows fue número 10 en Billboard 200 y Disco de platino.
Hold your fire representa una modesta extensión de su estilo guitarrístico en Power windows, y, según el crítico de Allmusic, Eduardo Rivadavia, la culminación de esta época. En este álbum aparece el hit Time stand still, y otras canciones destacadas, como Prime mover o Turn the page. Mientras que los cinco álbumes previos de Rush fueron al menos Disco de platino, Hold your fire sólo llegó a ser certificado Disco de oro en noviembre de 1987, aunque llegó al puesto número 13 en la lista Billboard 200.
En 1989 se lanzó el tercer álbum en directo y en formato vídeo, A show of hands, a través de Mercury, tras las giras de Power windows y de Hold your fire, siendo una buena muestra de esta época de los años 80, que, aunque cambió el estilo del grupo bastante (más elegante, complaciente y producido), nunca se dejó atrapar por modas y estilos influyentes del momento, siempre manteniendo su individualidad. A show of hands fue bien recibido, aunque el crítico de la revista Rolling Stone, Michael Azerrad, dijo que sólo era "músculo musical", y que sus seguidores veían a su power trio favorito como "La Santa Trinidad". No obstante, A show of hands superó la certificación de Disco de oro, llegando al número 21 de la lista Billboard 200. Llegados a este punto, decidieron cambiar de discográfica, pasando de Mercury a Atlantic Records. Después de finalizar su contrato en 1989, Mercury lanzó un recopilatorio doble titulado Chronicles (1990).
Rush comenzaron a desviarse de su estilo de los 80 con los álbumes Presto (1989) y Roll the bones (1991), ambos producidos por el ingeniero y músico Rupert Hine, en los que llegan a coquetear con el jazz fusión. Estos dos álbumes ocultan el sonido saturado de teclados de producciones anteriores. Con el álbum Presto (número 13 en Billboard 200 y Disco de oro) se optó por unos arreglos más orientados a la guitarra que en sus dos previos álbumes de estudio, con temas destacables como Show don’t tell (número 1 en Billboard 200), The pass, Superconductor y War paint. Aunque aún utilizaban sintetizadores en muchas de sus canciones, el instrumento dejó de ser el centro de sus composiciones. Siguiendo este estilo, Roll the bones se enfocó básicamente en los tres instrumentos estándar del rock, dejando incluso menos lugar para los sintetizadores que su predecesor, destacando temas como Roll the bones o Dreamline. Mientras que musicalmente los dos álbumes no se alejan mucho de un sonido pop rock, Rush siguieron incorporando detalles de estilos musicales diversos. Roll the bones, por ejemplo, tiene elementos de funk y hip hop, mientras que la canción instrumental Where's my thing? contiene varios elementos de jazz. Esta vuelta a la base de tres instrumentos ayudó a cimentar los pilares de lo que serían sus álbumes de mitad de los años 1990, mucho más orientados hacia el rock. Roll the bones devolvió a Rush al Top 5 en Estados Unidos (número 3 en Billboard 200).
La transición de sintetizadores hacia arreglos instrumentales más orientados a la guitarra y a la fórmula de rock con contundente batería común siguió con su álbum Counterparts (1993), y su continuación Test for echo (1996), ambos producidos en colaboración con Peter Collins. Musicalmente, Counterparts y Test for echo son dos de los álbumes más orientados a la guitarra de Rush. Aunque la música en general no llega a ser rock progresivo, algunas canciones tienen un formato muy dinámico. Por ejemplo, Time and motion contiene múltiples cambios de tempo y uso de teclados, mientras que el tema instrumental Limbo, consiste en varios complejos pasajes musicales repetidos a lo largo del tema. Test for echo tiene mucho del estilo de hard rock/alternativo del álbum previo. El estilo de interpretación de Lifeson y Lee permanece casi igual; aunque, se aprecia una modificación en la técnica de Peart debido a su aprendizaje de jazz y swing con el instructor de batería Freddie Gruber entre Counterparts y Test for echo. De estos dos discos destacan temas como Cold fire, Stick it out (número 1 durante cuatro semanas en la lista Billboard Mainstream Rock) y Leave that thing alone (que obtuvo una nominación al Grammy por Mejor instrumental) de Counterpasts (el álbum llegó al número 2 en Billboard 200), y Resist y Test for echo (número 1 en Billboard Mainstream Rock) de Test for echo (el álbum fue Disco de oro y número 5 en Billboard 200). Entre ambos álbumes, Peart trabajó en un álbum de tributo al baterista Buddy Rich, y Lifeson trabajó en colaboración con Les Claypool de Primus y otros músicos bajo el nombre de Victor, publicando el álbum Victor (1996). En octubre de 1996, promocionando Test for echo, la banda se embarcó en una gira estadounidense, la primera sin teloneros, llamada An Evening with Rush. La gira se dividió en dos partes; una de ellas entre octubre y diciembre de 1996 y la otra entre mayo y julio de 1997, con un descanso entre ambas.
Después de terminar la gira de promoción de Test for echo en 1997, pararon durante cinco años debido en parte a las tragedias personales que vivió Peart. La muerte de su hija Selena en un accidente de coche en agosto de 1997 y la muerte de su esposa Jackie Taylor de cáncer en junio del año siguiente, provocó que Peart se retirara para entrar en un proceso de restauración personal, que el mismo denominó "una travesía sanadora", y se dedicase a viajar en una motocicleta por Estados Unidos, recorriendo 88.000 km. En algún momento del viaje, Peart decidió volver y después escribió el libro Ghost rider: Travels on the healing road como crónica de su viaje. En él cuenta cómo les dijo a sus compañeros en el funeral de Selena, "consideradme retirado". Durante este período, Geddy Lee grabó su álbum de debut en solitario My favourite headache (2000).
En noviembre de 1998 se lanzó un triple CD en directo llamado Different stages, dedicado a la memoria de Selena y Jacqueline. Mezclado por Paul Northfield y con ingeniería de Terry Brown, contiene tres discos con grabaciones de las giras de Counterparts, Test for echo y A farewell to kings, convirtiéndose en el cuarto álbum en directo de la banda. En él figuran grandes versiones de temas como Driven, Animate, Bravado, Show don’t tell y también los infaltables clásicos Tom Sawyer, Closer to the heart y Freewill, entre muchos otros. Con esto, Different stages suponía una retrospectiva definitiva del trabajo en vivo del grupo y de cómo su sonido fue cambiando a través de los años sin perder su poder y magia características.
Después de un tiempo de reflexión y de una visita al fotógrafo de la banda Andrew MacNaughtan en Los Angeles, Peart conoció a la que sería su segunda esposa, la fotógrafa Carrie Nuttall, con quien se casó en septiembre de 2000. A comienzos de 2001 anunció a sus compañeros de banda que estaba preparado para volver. Con la ayuda del productor Paul Northfield, Rush volvieron en mayo de 2002 con Vapor trails, compuesto y grabado en Toronto. Para anunciar el regreso y llamar la atención de sus seguidores, salió al mercado el primer single extraído del álbum, One little victory (número 10 en Billboard Mainstream Rock), lleno de tempos rápidos de guitarra y batería, e incluía la canción Ghost rider, basada en la travesía de Peart, y Peaceable kingdom, que cita los atentados del 11 de septiembre de 2001 en Nueva York. Vapor trails, producido por Paul Northfield, es su primer álbum de estudio que no incluye ni un sólo sintetizador, órgano o teclado desde principios de los años 70. El álbum (número 6 en Billboard 200), bastante moderno y con un rock pesado, contiene mucha guitarra, aunque carece de solos de guitarra convencionales, una decisión tomada por Lifeson durante el proceso de composición. Según la banda, el proceso de creación de Vapor trails fue muy exigente y llevó casi catorce meses completarlo, el álbum que más tiempo les llevó componer y producir. Recibió buenas críticas y dio lugar a la primera gira de la banda en seis años, incluyendo los primeros conciertos de la banda en el Foro Sol de la Ciudad de México ante más de 60 mil personas, y en Brasil, donde tocaron ante numeroso público.
En octubre de 2003 se lanzó un triple CD/DVD llamado Rush in Rio que incluye el último concierto íntegro de la gira Vapor Trails Tour, grabado en el Estadio Maracaná de Rio de Janeiro, Brasil, en noviembre de 2002. Para la celebración de su 30º aniversario lanzaron en junio de 2004 un EP llamado Feedback, grabado en los suburbios de Toronto y que contiene ocho covers de artistas como Cream, The Who, Buffalo Springfield y The Yardbirds, bandas que los miembros de Rush citan como inspiración. En el verano de 2004, Rush comenzaron la gira 30th Anniversary Tour, tocando en Estados Unidos, Canadá, Reino Unido, Alemania, Italia, Suecia, República Checa y Holanda. En septiembre de 2004 grabaron un concierto en el Festhalle de Frankfurt, Alemania, para un DVD llamado R30: Live in Frankfurt, lanzado en noviembre de 2005.
En junio de 2006 fue lanzado Rush replay X 3, un boxset que consistía en la reedición digital de tres grabaciones originales de giras anteriormente editadas durante la década de los 80: Exit… Stage left, Grace under pressure y A show of hands, remasterizadas todas para DVD, y que incluía además un disco compacto con el audio de Grace Under Pressure Tour.
Durante las entrevistas promocionales del DVD R30: Live in Frankfurt, se reveló la intención de componer material nuevo a comienzos de 2006. En enero de 2006, mientras se encontraban en Toronto, Lifeson y Lee comenzaron el proceso de composición. Mientras tanto, Peart comenzó a escribir las letras en su residencia del sur de California. Para septiembre, Rush contrató al productor estadounidense Nick Raskulinecz para coproducir el álbum. La banda entró en los estudios Allaire, en Shokan, Nueva York, en noviembre de ese mismo año para grabarlo, llevándoles cinco semanas de trabajo. Las sesiones de grabación terminaron en diciembre. En febrero de 2007 se anunció en su página web el título del nuevo álbum, Snakes & arrows. El primer single, Far cry, fue lanzado en las emisoras de radio de Estados Unidos en marzo de 2007 y llegó al puesto número 2 de las listas Mediabase Mainstream y Radio and Records.
El sitio web de Rush, rediseñado en marzo para apoyar el álbum, también anunció que comenzarían una gira ese verano de 2007. Snakes & arrows se lanzó en mayo de 2007 en Estados Unidos, debutando en el puesto número 3 de la lista Billboard 200 con unas 93 mil copias vendidas en su primera semana. Este trabajo contiene 13 temas con un estilo musical que se acerca mucho al de los álbumes de la década de los 70, sin sintetizadores y conteniendo mucho sonido acústico. Para coincidir con la época de huracanes del Océano Atlántico, se lanzó la canción Spindrift como segundo single del álbum a principios de junio de 2007, mientras que The larger bowl (a pantoum) se lanzó como single a finales del mismo mes. The larger bowl entró en el Top 20 de las listas Mainstream Rock y Media Base Mainstream, aunque Spindrift no llegó a entrar en ninguna lista comercial de importancia. Otras canciones destacables fueron Malignant narcissism (nominada para un Grammy en la categoría de Mejor interpretación instrumental rock) o Far cry (número 22 en Billboard Mainstream Rock). La gira promocional Snakes and Arrows Tour comenzó a mediados de junio de 2007 en Atlanta, concluyendo a finales de octubre del mismo año en el Hartwall Arena de Helsinki, Finlandia.
La parte de la gira de 2008 dio comienzo en abril en San Juan, Puerto Rico, y terminó en julio en Noblesville, Indiana, en el Verizon Wireless Music Center. En abril se lanzó un doble álbum en directo que documenta la primera parte de la gira, Snakes & arrows Live, de las actuaciones a mediados de octubre en el Ahoy Arena de Rotterdam, Holanda, y que fue lanzado en noviembre en DVD y Blu-Ray. El vídeo también incluye metraje extraído de la segunda parte de la gira de 2008, grabado en el Verizon Wireless Amphitheater de Atlanta.
Cuando se acercaba al final de la gira de Snakes & arrows, anunciaron su primera aparición televisiva en Estados Unidos desde hacía treinta años. Stephen Colbert les entrevistó y tocaron Tom Sawyer en el programa The Colbert Report en julio de 2008. También hicieron una aparición en la película de comedia I love you, man.
En febrero de 2009, Lifeson comentó que la banda iba a comenzar a trabajar en un nuevo disco a finales de ese mismo año, nuevamente con el productor Nick Raskulinecz. En marzo de 2010, CBC colgó una entrevista con Lee y Lifeson donde hablaron de su inclusión en el Canadian Songwriters Hall of Fame en marzo de 2010, en el Toronto Centre for the Arts. Se les reconoció por las canciones Limelight, Closer to the heart, The spirit of radio, Tom Sawyer y Subdivisions. Además de comentar sobre esto, Lee y Lifeson hablaron sobre su futuro. Durante la entrevista, Lee dijo "... Hace un mes y medio no teníamos canciones. Ahora hemos estado componiendo y tenemos unas seis que nos encantan...". A finales de marzo de 2010, en una entrevista para The Globe and Mail, Lifeson confirmó que tenían media docena de canciones nuevas y que tenían planeado dos giras, una en verano de 2010 y otra para el verano del año siguiente. En aquel momento habló de primavera de 2011 como fecha del lanzamiento del nuevo disco. Poco después, Peart confirmó que nuevamente sería el coproductor Nick Raskulinecz.
En abril de 2010, Rush entraron de nuevo en los estudios Blackbird de Nashville junto a Raskulinecz para grabar Caravan y BU2B, dos nuevas canciones para el disco Clockwork angels. La mezcla corrió a cargo del ingeniero Richard Chycki en Sound Kitchen en Franklin, Tennessee. Caravan comenzó a sonar a principios de junio en las emisoras de radio y a través de descarga digital junto a BU2B. El sitio web de la banda y PR Newswire anunciaron que la banda iba a comenzar la gira Time Machine Tour. La primera parte de la gira comenzó a finales de junio en Albuquerque, Nuevo Mexico y terminó en octubre en Santiago, Chile. Durante la gira tocaron el álbum Moving pictures al completo, además de Caravan y BU2B. En principio Rush iban a volver al estudio después de completar el Time Machine Tour para publicar Clockwork angels en 2011; sin embargo, Rush anunciaron en noviembre que iban a prolongar el Time Machine Tour; la segunda parte de la gira comenzó a finales de marzo de 2011 en Fort Lauderdale y concluyó a principios de julio en George, Washington.
En noviembre de 2011, publicaron Time machine 2011: Live in Cleveland, un concierto que se editó en DVD, Blu-ray y doble CD del concierto de abril de 2011 en el Quicken Loans Arena de Cleveland, Ohio. Rush entró en los estudios Revolution Recording de Toronto, poco después de terminar la gira, para finalizar la grabación de Clockwork angels. El segundo single, Headlong flight, se lanzó en abril de 2012.
Clockwork angels se publicó en Estados Unidos y Canadá en junio de 2012 y el grupo comenzó una gira de promoción poco después. En agosto de 2011, Rush cambiaron su distribuidora estadounidense Atlantic Records y se pasaron a la subsidiaria de Warner Brothers, Roadrunner Records. No obstante, Anthem/Universal Music sigue distribuyendo sus lanzamientos en Canadá. Clockwork angels ganó el premio Progressive Music en el apartado Álbum del año 2012.
Durante la rama europea del tour Clockwork Angels, su show de junio de 2013 en el festival Sweden Rock fue su primera aparición en un festival en 30 años. Las actuaciones de la banda en Phoenix y Dallas a finales de noviembre fueron grabadas para un CD/DVD/Blu-ray vivo que fue lanzado a mediados de noviembre de 2013 con el título de Clockwork Angels Tour.
El estilo musical de Rush ha cambiado mucho a lo largo de los años. Su álbum de debut está fuertemente influenciado por el blues rock británico: una amalgama de sonidos y estilos de bandas como Cream, Led Zeppelin y Deep Purple. En los primeros álbumes su estilo era básicamente hard rock, con influencias de The Who y Led Zeppelin, y comenzaba a estar influido por el movimiento de rock progresivo británico de la época. En la tradición del rock progresivo, Rush compuso canciones largas con tempos irregulares y diversos combinados con letras inspiradas en la ciencia ficción y la fantasía; aunque no bajaron la intensidad de su sonido. Esta fusión de hard rock y rockprogresivo continuó hasta finales de los años 70. En los años 80 fusionaron su sonido con la moda de la época, experimentando con el new wave, el reggae y el pop rock. Este período incluyó el uso de gran diversidad de instrumentos como sintetizadores, secuenciadores y percusión electrónica. Con la llegada de los años 90 y con su sonido aún intacto, la banda transformó nuevamente su estilo para acoplarse al movimiento del rock alternativo del momento. En el nuevo milenio han regresado a sus raíces de rock and roll, aunque con producciones elaboradas. En palabras de Geddy Lee, "Rush no pueden seguir siendo considerados una banda heavy metal, si alguna vez lo fueron; tampoco es exacto describirlos como una banda pomposa o progresiva. Sólo somos tres hombres que empleamos nuestros propios y diferentes gustos personales. Tenemos muchos intereses e influencias e intentamos manifestarlos todavía por mucho tiempo".
Más de treinta años de actividad les han dado la posibilidad de diversificar su estilo a lo largo de su carrera. Como muchas bandas conocidas por su experimentación, dichos cambios han originado inevitables diferencias entre crítica y seguidores. La gran mayoría de su música ha incluido usualmente instrumentación sintética de una u otra forma, siendo amplia fuente de controversia, sobre todo la fuerte dependencia de sintetizadores y teclados en los años 80, visible en los álbumes Grace under pressure, Power windows y Hold your fire.
Los miembros del grupo han dicho que la gente "o los adoran o los odian", teniendo grandes detractores y una base de seguidores fieles. En julio de 2008, la revista Rolling Stone comentó que "los seguidores de Rush son los Trekkies/trekkers del rock". Desde la posibilidad que tuvieron en 1998 de conseguirlo, no fueron nominados durante muchos años para entrar en el Salón de la Fama del Rock and Roll de Estados Unidos. La negativa a incluirles puede ser una consecuencia de su insistencia en apartarse del orden establecido a la hora de promocionarse, en favor de mantener su independencia como banda. En 2013 finalmente fueron introducidos al Salón de la Fama del Rock and Roll.
Han sido citados como influencia por varios artistas musicales, incluyendo Anthrax, Foo Fighters, Metallica, Primus, Rage Against The Machine y The Smashing Pumpkins, así como por bandas de metal progresivo como Dream Theater y Symphony X. Trent Reznor considera a Rush una de sus bandas favoritas en el documental de 2010 Rush: beyond the lighted stage, y particularmente ha citado el álbum Signals como una influencia importante sobre cómo incorporar teclados y sintetizadores en hard rock.
Sus seguidores mencionan logros como su longevidad, su competencia e influencia, además de sus ventas comerciales y certificaciones RIAA. No obstante, Lifeson ha expresado su indiferencia diciendo "me importa un bledo, mira quiénes están nominados, es una broma". De todas formas, Rush se han ganado un reconocimiento en la cultura popular.
El alto registro vocal de Geddy Lee, ha sido siempre una de las firmas del grupo; y a veces un foco para las críticas, especialmente durante los primeros años de su carrera, cuando su voz era aguda, con gran similitud con otros vocalistas de la época como Robert Plant de Led Zeppelin. Aunque su voz se ha suavizado con los años, a menudo es descrita como "gemido". Sus habilidades instrumentales, por otro lado, rara vez han sido criticadas. Su estilo, técnica y habilidad tocando el bajo, han sido una influencia para el rock y el heavy metal, inspirando a músicos como Steve Harris de Iron Maiden, John Myung de Dream Theater, Les Claypool de Primus y Cliff Burton de Metallica, entre otros. Además, es reconocido por su habilidad en tocar varios instrumentos de forma simultánea. Hecho que muestra en sus actuaciones en directo, donde toca el bajo, canta, toca el teclado y usa un pedal MIDI, como en Tom Sawyer. Debido a esto, ha de quedarse estático en un sitio mientras se tocan las canciones de compleja instrumentación.
Lo más destacado de Alex Lifeson como guitarrista son sus riffs, efectos electrónicos y procesados, sus estructuras de cuerda poco ortodoxas y el uso de un copioso arsenal de equipamiento a lo largo de los años. A pesar de estas consideraciones, a menudo parece que queda relegado tras los otros miembros debido a las habilidades multiinstrumentales de Lee y el estatus como batería de Peart.
Durante su adolescencia fue influido por Jimi Hendrix, Pete Townshend, Jeff Beck, Eric Clapton y Jimmy Page. Por versatilidad, Lifeson incorporó guitarras españolas y clásicas al sonido enfocado a la guitarra de la banda en la década de los años 70. En los años 80 la guitarra se relevó a un segundo plano, debido a los teclados, mientras que a partir de los años 90 la guitarra de Lifeson volvió a liderar la b